Louise Skira. Itinérance

La jeune photographe française Louise Skira exposera, à partir de février prochain, une série de 15 tirages à Desde, Magdebourg, Kiel et Hanovre. Réalisées entre 2008 et 2009 dans le XIXe arrondissement de Paris, ces images saisissent la beauté ambiguë des rues parisiennes, et nous plongent dans un monde plein de mystère.

Itinérance est composée de quinze photographies noir et blanc argentiques prises entre 2008 et 2009 dans le XIXème arrondissement de Paris. Elles font partie d’un tout représentatif d’une volonté de garder en image la nuit tombée sur les infrastructures et l’architecture parisiennes.

Unies par leurs ressemblances, elles mettent en scène un pont : symboliquement lieu de passage. Ces rues désertes vides de toutes vies humaines laissent tout de même entrevoir furtivement des ombres ou personnages de dos. Ici, les individus sont réduits à la vision de silhouettes. « Gare du Nord », « Rails » ou « Passage » sont des titres significatifs d’un espace manifestement figé mais implicitement en mouvement où affleure toujours la possibilité d’un ailleurs.

Itinérance est riche de symboles. Cette série composée essentiellement de photographies figuratives ou ancrées dans une certaine réalité, préfigure l’envie de conserver en image un instant de vie, un instant de « Temps » qui par sa nature même, vient à s’échapper.

Le sujet principal de ces 15 photographies est donc bien l’espace urbain ou la ville en perpétuelle mouvance : rue, ponts, trains, rails, tour à tour occupées, désertés, détruits.... ces rues me sont chères car significatives d’une nostalgie certaine et d’un instant qui se perd.

Louise Skira

Née en 1985, Louise Skira pratique la photographie depuis l'âge de 16 ans. Sa volonté est de pouvoir « dessiner » et voir de la lumière au sein de scènes noires et sombres. "Dans le « noir » ambiant de ces photos, je souhaite voir faire en sorte qu’ils deviennent l’objet principal de la scène photographiée et non l’objet second," explique-t-elle. "L’idée est de jouer sans cesse entre le noir intense, le gris, le blanc… et l’ombre." Sa tournée Itinérance a reçu le label du 50eme anniversaire du traite de l'Elysée Année de l'amitié franco-allemande. 

Dresde / Février-Mars 2013

Magdebourg / Juin - Juillet 2013

Kiel / Août - Septembre 2013

Hanovre / Septembre 2013

Exposition, du 1 février 2013 au 30 Septembre 2013

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L'homme caméléon de retour à Paris

Après son intervention très remarquée au Festival Images de Vevey, où ses photographies étaient imprimées sur les murs de la ville atteignant des formats gigantesques jusqu’à 600 mètres carrés, l'artiste chinois Liu Bolin revient à la Galerie Paris-Beijing, où il fera découvrir au public parisien ses dernières images inédites réalisées en Chine et à Paris au cours de l'année 2012. Vernissage le jeudi 10 janvier à 18 heures, en présence de l’artiste !

Son nom est Liu Bolin, mais tout le monde l’appelle « l’homme-caméléon ». Cet artiste chinois de la nouvelle génération (il est né en 1973) réalise des performances étonnantes lors desquelles il parvient à se cajoufler dans le décor qui l'entoure. Mobilisant un large éventail de disciplines artistiques, de la sculpture au  body art, du  happening à la photographie, Liu Bolin pose devant l'objectif durant des heures, aussi immobile qu'une statue. Grâce à la complicité d’une équipe de peintres et de photographes qu’il dirige, son corps finit par être englouti dans l'environnement. Aucun effet Photoshop, mais d'abord un body painting très soigné. Une étude méticuleuse de la perspective et de la prise de vue conditionne ensuite la qualité du cajouflage. Après plusieurs prises, l’artiste donne son accord pour l’image finale, immortalisant sa présence évanescente.

Cela peut même devenir un jeu que de repérer « l’homme invisible » dans la photographie, et pourtant l’origine des performances mimétiques de Liu Bolin n'a rien de ludique. Le déclencheur fut la destruction de son atelier situé dans le Suojia Village International Arts Camp, un quartier de la banlieue de Pékin qui comptait une centaine d’artistes. Le 16 novembre 2005, dans le cadre de la restructuration de la capitale en vue des Jeux Olympiques, les autorités chinoises ont procédé à la démolition des bâtiments du village et à l’expulsion de ses habitants. En rend compte la série Hiding in the City, qui s’ouvre avec l’autoportrait de Liu Bolin immobile, recouvert de peinture, se confondant avec les ruines de son atelier en signe de protestation silencieuse. La réalisation est parfaite, l'illusion est troublante.

C’est dans le contexte d’une Chine en pleine mutation, connaissant un développement économique fulgurant et une urbanisation frénétique, avec toutes les conséquences que cela implique pour la société, que la production artistique de Liu Bolin prend sens. L’artiste appartient à la génération née sous Mao et devenue adulte dans les années quatre-vingt-dix, sur les cendres de la Révolution Culturelle. Originaire de la province de Shandong, Liu Bolin vit et travaille à Pékin depuis 1999. Il est diplômé de l’Académie centrale des Beaux Arts, où il s’est spécialisé dans la sculpture, en disciple de Sui Jianguo. Dans la capitale, Liu Bolin a également connu le milieu des communautés artistiques alternatives qui, sur le modèle de l’expérience du Beijing East Village (1993-1998), ont permis à nombreux artistes d’expérimenter l’art de la performance à l’abri de la censure et du conservatisme des institutions politiques et culturelles.

Pour sa première série de cajouflages urbains, Liu Bolin a choisi des lieux de Pékin chargés de symboles, de messages et d’histoire : il a posé devant les murs où apparaissent des slogans de propagande politique, comme « New culture needs more » (Hiding in the City n. 03, 2005), au milieu de la place Tian’anmen sous le portrait gigantesque de Mao Tsé-Tung (Hiding in the City n. 08, 2006) et face au « Nid d’Oiseau », le nouveau stade national construit pour accueillir les Olympiades en 2008 (Hiding in the City n. 86, 2009). Disparition presque prémonitoire qui fait penser à celle de son architecte Ai Weiwei, arrêté en 2011 et détenu par les autorités pendant presque trois mois.

Ces dernières années, le projet Hiding in the City de Liu Bolin a évolué et ses recherches se sont déplacées de la République populaire de Chine vers l’Occident, abordant les questions sociales que pose la globalisation, comme le rapport entre la société civile et le pouvoir finuancier, l’écologie et l'exploitation des ressources, la tradition et l’innovation, la conservation et la destruction du passé. Dans les séries Hiding in Italy (2010), Hiding in Paris (2011) et Hiding in New York (2011), notre artiste se cache dans les décors les plus divers pour transmettre un message à chaque fois différent qui traduit son rapport au réel, rapport d’appartenance, de dénonciation, d’empathie ou de fuite.

Liu Bolin ne navigue pas debout au vent, il l'accompagne et s'en protège. Il a ainsi décrit sa poétique : « Chacun choisit sa propre voie et son mode de connexion vers le monde extérieur. J’ai décidé de me fondre dans l’environnement. Certains diront que je disparais dans le paysage ; je dirais pour ma part que c’est l’environnement qui s’empare de moi et je ne peux pas choisir d’être actif ou passif ».

On pourrait penser à une sorte de profession de foi épicurienne, mais les images de la présence estompée de Liu Bolin dans un paysage toujours chargé de symboles et de messages, ne renvoient en rien à la sérénité du « pour vivre heureux, vivons cachés ». Les œuvres de Liu Bolin possèdent une dimension anthropologique plus sombre, en cela qu'elles reproduisent une stratégie très répandue dans le monde animal, où la capacité de se cajoufler est un facteur déterminant d'évolution et de survie. Ses performances témoignent de la capacité qu'a l'individu de s’adapter aux changements de son écosystème et réaffirment la persistance de l'humain par-delà les mutations sociales, politiques, économiques, urbanistiques ou écologiques. Mais dans la société des hommes, ou règnent des artifices culturels et sociaux très complexes, le cajouflage devient aussi une paradoxale stratégie de visibilité. En mettant en scène sa propre absence, Liu Bolin peut s’exprimer à sa guise tout en restant protégé par son œuvre.

Les photographies-performances de Liu Bolin échappent aussi aux catégories esthétiques occidentales qui reprennent souvent à Platon et à Aristote le concept de mimerais et la figure du démiurge pour définir l’essence de l’art. En relisant le statement lapidaire de notre artiste, qui n’est jamais très prolixe, nous comprenons vite qu’il ne conçoit pas du tout les choses ainsi : c'est bien, comme il l'affirme, l’environnement qui s’empare de lui, et non pas lui qui décide d’imiter la nature et la vie. Liu Bolin ne manifeste que sa propre manière de se rapporter au monde et de participer à son changement permanent. L’artiste révèlerait ce qui est déjà là, sans créer de formes inédites ou de simulacres, mais donnant simplement à voir la réalité sous un jour nouveau. Comme l'écrivait Adorno dans la Théorie esthétique, les œuvres d’art réalisent ce que la nature voudrait en vain : « elles ouvrent les yeux ».

Silvia Mattei (juillet 2012)

Exposition, du 10 Janvier 2013 au 9 Mars 2013.

Galerie Paris-Beijing

54, rue du Vertbois,  75003

tél : +33 (0) 1 42 74 32 36

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Thierry Lacroix. Des journées entières

Les Ateliers d'Art accueillent du 9 au 21 janvier 2013 une exposition de photographies noir et blanc signées par Thierry Lacroix. Photos de rue et scènes de vie quotidienne reflètent la vision humaniste de l'artiste. 

Je photographie depuis plusieurs années, de préférence en noir et blanc pour son côté romantique. (…) À force de photo ratées, d'échecs, on avance par à-coups. Je vis avec mes images, prends mes distances, puis les confronte aux regards extérieur. Un moyen de vérifier mes certitudes.

À la prise de vue, je cherche l'essentiel dans la réalité la plus banale, l'appréhender avec le minimum de théorie, des images qui ne sont pas prises pour de l'art, mais pour de la vie. Je choisis la rue pour thème central, ses habitants, le quotidien comme toile de fond, photographiant à la volée, souvent d'une façon instinctive et directe.

Ce qui est curieux, c'est de constater qu'au fil du temps, ce sont toujours à peu près les mêmes visages qui vous arrêtent, les mêmes climats, les mêmes lumières, les mêmes atmosphères…

Mes préférences vont pour ces photographes américains des années 1960 qui travaillaient pour le magazine  Life. J'éprouve pour eux une grande admiration ; ils disposaient d'une grande maîtrise du cadre, de la géométrie et de la lumière…"

Thierry Lacroix

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La famille Nikon 1 s'enrichit de deux nouveaux membres, le Nikon 1 S1 et le Nikon 1 J3

Nikon a annoncé mardi 8 janvier l'arrivée de deux nouveaux appareils photo de la famille Nikon 1 : le Nikon 1 J3, l'héritier du Nikon 1 J2, et le Nikon 1 S1, premier modèle de la nouvelle série S. Selon Nikon, les deux nouveaux appareils proposent le délai de déclenchement le plus court au monde, et la prise de vue en continu la plus rapide au monde.

Rapide et ultra-compact, le Nikon 1 J3 est doté d'un double processeur EXPEED 3A et offre une prise de vue à 15 vos avec autofocus5 et jusqu'à 60 vps6 en mode AF point fixe. 

Le Nikon 1 S1, qui marque le lancement d'une nouvelle série de compacts à objectif interchangeable (COI), est "est aussi pratique et facile à utiliser qu'un appareil photo compact, mais beaucoup plus rapide et considérablement plus puissant, avec une qualité d'image bien supérieure," affirme la marque. 

Les deux appareils bénéficient de nouvelles fonctionnalités intelligentes comme "Contrôle du résultat en temps réel" ou "Meilleur moment." Le "Sélecteur de photo optimisé" prend jusqu'à 20 photos en haute définition (jusqu'à 15 pour le Nikon 1 S1) et recommande les cinq meilleures. "L'affichage au ralenti" capture jusqu'à 20 images en continu (jusqu'à 15 pour le Nikon 1 S1) et les affiche simultanément au ralenti sur le moniteur LCD. Le mode "Créativité" permet d'appliquer des filtres et des effets sur les images fixes avant de photographier. Le Nikon 1S1 et le Nikon 1 J3 sont compatibles Wi-Fi (en option).

Le Nikon 1 S1 bénéficie d'une résolution de 10,1 Mpx et d'une plage de sensibilités de 100 à 6400 ISO. Le Nikon 1 J3 pousse la résolution à 14,2 Mpx avec une plage de sensibilités de 160 à 6400 ISO. Les deux modèles disposent d'un flash compact intégré.

"Les Nikon 1 J3 et S1 sont deux additions notables à la gamme Nikon 1," déclare Isabelle De Oliveira, chef de produit appareils photo hybrides Nikon 1 chez Nikon France. "Plus petit et plus rapide que n'importe quel appareil photo à objectif interchangeable, le Nikon 1 J3 est prêt à saisir les instants cruciaux de la vie en un clin d'œil et en haute définition. Quant au Nikon 1 S1, il est idéal pour ceux qui recherchent le côté pratique des appareils photo compacts sans pour autant négliger la rapidité de performance ni la qualité."

Le Nikon 1 J3 en kit avec un objectif 10-30mm sera disponible en blanc, noir et rouge à partir du 7 février 2013 au prix public recommandé de 599€.

Le Nikon 1 S1 en kit avec un objectif 11-27.5mm sera disponible en blanc, noir, rose ou kaki à partir du 7 février 2013 au prix public recommandé de 479€.

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Jean-François Rauzier, la peur de l'infini

Illusion, opulence et démesure, ces mots s'appliquent parfaitement à l'oeuvre photographique de Jean-François Rauzier, sans pour autant rendre compte de l'émerveillement qu'elle suscite, notamment parmi les non-initiés. Inventeur du concept de l'"hyperphoto", l'artiste s'empare des outils numériques pour créer un univers où se côtoient l'infiniment grand et l'infiniment petit, en un foisonnement de détails fascinants et significatifs. L'exposition organisée au Palais des Arts et du Festival de la ville de Dinard présente son travail le plus récent, Arches. 

Au début des années 1990, alors que l'hyperconsommation commence à prendre de l'ampleur, Jean-François Rauzier, photographe professionnel, renonce à son travail dans le monde de l'image publicitaire pour se consacrer à son invention, l'hyperphoto. Réalisées par le montage de plusieurs images prises de différents points de vue, ses oeuvres magistrales forment des labyrinthes visuels à la fois familiers et étranges. 

"D’environ dix à douze points de vue, je fais dix à douze images par assemblage d’environ deux cents clichés chacune, que je multiplie et retourne dans tous les sens," explique Jean-François Rauzier, qui se fait un plaisir de jouer avec les limites de son imagination. Afin d'humaniser ce monde sidéral, le photographe a même créé un personnage, un "man in black moitié Tintin d’Hergé, moitié Charlot de Chaplin, témoin de la dérive des civilisations ou des songes utopistes de l’artiste," comme l'explique Ashok Adicéam, commissaire de l'exposition. Pour son projet Arches, l'artiste va encore plus loin et crée un alter égo nommé Jules-Ferdinand Rie Azur (combinaison en anagramme du nom de l'artiste).

"Si Rauzier a inventé un art photographique à la limite de la mégalomanie, Rie Azur est un poète mélancolique qui s’attend à la fin du monde et constate que le déluge, le trop-plein - d’images, de constructions, de populations, de marchandises, de violences, d’outrances en tout genre – est déjà en train de nous noyer," affirme Ashok Adicéam. "L’exposition Arches est comme le point d’arrivée du travail de sape et de subversion artistique des images pratiqué par le photographe." Mêlant éléments apocalyptiques et paradisiaques, la série dénonce avec emphase les maux de notre société : la violence, le sexe, ou l'argent. "Avec des médiums et des supports variés - sculpture, vidéo, papier peint, photographie, impression sur pvc, installation-, Arches est devenu avant tout un projet d’art contemporain organisé comme un conte moral. Un coup de force bienveillant qui rêve d’un autre monde. Celui de l’idéal et de l’utopie."

Roxana Traista

10/01/2013

Exposition organisée en partenariat avec la Mairie de Dinard (département d'Ille-et-Vilaine), au Palais des Arts et du Festival. Ouverture 14h-18h30, fermeture le lundi, sauf lundi de Pâques, entrée / 3 euros. 

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Le Collectif Àquatre, créer et diffuser la photo autrement

Interview

Né de la rencontre de quatre artistes enthousiastes et pleins d'idées, le Collectif Àquatre se donne pour objectif de bousculer le monde de la photographie dite "en marge", et de réévaluer les modes habituels de création et de diffusion. À l'occasion de la deuxième édition de l'événement baptisé "4À8", qui aura lieu le 18 janvier prochain à Aix-en-Province, nous avons posé quelques questions à Philppe Leroux, photographe et membre du collectif. 

(c) Ronald Reyes

Photographie.com : Comment le collectif Àquatre est-il né ? 

Le Collectif Àquatre a pour origine la rencontre de quatre individualités : Anne Karthaus, Françoise Laury, Philippe Leroux et Alain Marsaud, qui ont choisi de travailler en commun. Ce qui nous rassemble n’est pas ce qui, à travers nos pratiques, se ressemble, mais plutôt un désir partagé de promouvoir une certaine idée de la photo et surtout d’explorer les marges, tant dans la diversité des productions, que dans les modalités de leur diffusion.

L’idée que le temps photographique ne puisse se résoudre à une équation aussi simple que « ça a été » ou « ici, maintenant » rassemble les membres du collectif. Nos pratiques en rupture avec une photographie essentiellement informative, même si, à certains égards et dans les étapes de leur travail, cette dimension n’est pas absente, nous réunissent dans une production plus pensive, sans pour autant se définir comme purement conceptuelle.

Le collectif a fêté sa première année d'existence en décembre 2012, il opère en région PACA et est actuellement basé à Aix-en-Provence.

Photographie.com : Vous avez imaginé un rendez-vous trimestriel éphémère, les "4À8". 

Comment fédérer autour de la photographie en invitant tous les publics sans restriction dans des lieux chaque fois renouvelés ?

À défaut, comment rééquilibrer dans une démarche plus participative et plus ouverte dans le tissu local urbain, les habitudes de consommation de l’art et les clivages qu’ils opèrent.

L’occasion nous est donnée de proposer de nouveaux modes de déambulation et de présentation, dans une perspective festive, tribale. Une programmation qui se déplace avec un public qui la suit et qui s’enrichit à chaque nouvel ancrage. Un jour ici, un autre là.

La notion de laboratoire trouve toute sa pertinence dans ce projet, nous sommes dans le questionnement, dans « l’essai », la réflexion s’engagera et s’enrichira des expériences réalisées.

Pour amorcer et mettre en pratique notre concept, le Collectif Àquatre a imaginé un RDV trimestriel éphémère, le temps d’une soirée. Nous les avons baptisé les "4À8″ petit clin d'œil aux "5à7" !. Ils sont ouverts à tous les publics. À cette occasion, nous proposons des projections de travaux photographiques et des vidéos, dans un dispositif narratif qui associe des performances sonores.

Elles portent dans certains cas sur des thématiques précises. Elles pourront aussi se construire dans un dispositif narratif dans lequel l’écrit et l’acte oral participeront à la construction d’une histoire. La scénographie sera évolutive en fonction des espaces, extérieurs et intérieurs, des associations. Nous prolongeons ces rencontres à travers notre blog en invitant le public à consulter les archives et les articles des "4À8″.

Photographie.com : Neuf artistes seront présentés dans le cadre de cette deuxième édition…

Pour cette 2ème édition des"4À8″ nous avons fait le choix d'une sélection de neuf projets. Certains trouveront que c’est « restrictif » au regard des projections connues et habituelles. Nous avons estimé qu’il était important de gagner en confort de projection afin de permettre au public de prendre le temps d’apprécier les images et de bien valoriser les auteurs présentés. Rappelez-vous que le dispositif est éphémère, il ne peut dépendre d’une organisation lourde (régie – programmation) dans le principe de nomadisme que nous défendons. Nous avons retenu neuf travaux, neuf auteurs aux démarches distinctes, aux préoccupations formelles (esthétiques) divergentes pour ne pas dire opposées dans certains dispositifs. 

Au premier regard l’unité ne fait pas « acte » en terme de choix éditorial, même si à certains égards nous retrouvons bien les principes/formes connus dans les pratiques photographiques (l’inventaire, le portrait, l’autobiographie, etc). Nous avons tenté de travailler débarrassés des stratégies et des contraintes propres à une programmation consensuelle, et la chose n’est pas aisée. Nous sommes au début d'un dispositif, nous touchons déjà pour cette deuxième édition des auteurs venus de tous horizons à échelle internationale.

Les photographes sélectionnés sont : ELKA, Thibaut Derien, Valérie Gondran, Michael Serfaty, Sandrine Elberg, Clara Chichin, Gaëtan Chevrier, Ronald Reyes, Xavier Blondeau.

Photographie.com : Comment ce projet peut-il évoluer à l’avenir ?

Le principe de nomadisme nous intéresse particulièrement, il permet de sensibiliser et de dialoguer. En 2013 nous nous déplacerons sur d'autres territoires, notamment à Marseille, où nous proposerons la 3éme édition des "4À8″ en collaboration avec le collectif WATT, sur une thématique précise en lien avec leur travail de création et de recherche. Nous investiront des lieux emblématiques, comme l'Abbaye de  Sénanque, des espaces ordinaires, fond de garage et arrière cour. Travailler dans la mobilité, dans la légèreté des moyens techniques, ouvre des perspectives infinies. Nos appels à projets, la conception et le montage des soirées, se construisent sur la base de données numériques ; cela représente une grande souplesse dans le travail, mais cela permet de toucher des public larges. Eloignés d'une offre" culturelle", nous avons déjà des propositions en ce sens. La caravane des "4À8″ prendra la route, la clé des champs !

Propos recueillis par Roxana Traista

10/01/2013

Pour plus d'informations, rendez-vous sur : http://collectifaquatre.fr

Projection, du 18 Janvier 2013 au 18 Janvier 2013.

Espace Forbin - Aix-en-Province

1 Place John Rewald,  13100 Aix-en-Province

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